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SUMMARY:MA/IN22: MAD MAX
DESCRIPTION:©  Pierre Jodlowsky\n \nPROGRAMMA\nore 21:00 A/V session\nore 21:30 PIERRE JODLOWSKY [FR] /// MAD MAX live intermedia performance\n \n– \n\n\nPIERRE JODLOWSKY [FR] /// MAD MAX\nlive intermedia performance\ncomposition + live electronics | Pierre Jodlowsky\npercussioni | Aleksander Wnuk [PL]\n \nCommissionato dal Festival Aujourd’hui Musiques\, Mad Max è stato sviluppato nell’ambito del Gekipe Project di Flashback Ensemble (un dispositivo specifico composto da sensori e telecamere a infrarossi che analizzano i gesti) per il percussionista Philippe Spiesser. Lo spettacolo è basato sul personaggio famoso\, motociclista pazzo e completamente fuori controllo uscito dagli Hollywood Studios. Nella prima parte\, va in scena sulla sua bici onnipotente (che qui è virtuale\, per mezzo di sensori) e fa precipitare il pubblico nella sua megalomania. La seconda parte rivela un Mad Max seducente (che tenta la fortuna con una grancassa). Infine\, l’ultima parte è caratterizzata da un improbabile dialogo tra un musicista virtuoso e un’altra leggenda del cinema: Darth Vader. Il respiro ininterrotto di questo personaggio fa da sfondo a un assolo di vibrafono velocissimo\, gara finale di questa favola musicale… \nPierre JODLOWSKI è un compositore\, interprete e artista multimediale. La sua musica\, spesso caratterizzata da un’alta densità\, è al crocevia del suono acustico ed elettrico ed è caratterizzata da un’ancora drammatica e politica. Il suo lavoro di compositore lo ha portato ad esibirsi in Francia e all’estero nella maggior parte dei luoghi dedicati alla musica contemporanea e in altri campi artistici\, danza\, teatro\, arti visive\, musica elettronica. Il suo lavoro si svolge oggi in molti settori: film\, installazioni interattive\, messa in scena. Sta definendo la sua musica come un “processo attivo” a livello fisico [gesti musicali\, energia e spazio] e a livello psicologico [relazione con la memoria e dimensione visiva del suono]. Parallelamente alle sue composizioni\, si esibisce anche in varie scene (sperimentali\, jazz\, elettroniche)\, solista o con altri artisti.\nDal 1998 è co-direttore artistico di éOle (studi di ricerca e produzione con sede a Odyssud – Centro culturale a Blagnac) e del festival Novelum di Tolosa (dal 1998 al 2014). Ha collaborato con vari ensemble quali: Intercontemporain (Parigi)\, Ictus (Belgio)\, KNM (Berlino)\, Ensemble Orchestral Contemporain (Francia)\, MusikFabrik (Germania)\, il nuovo Ensemble Moderne (Montreal)\, Ars Nova (Svezia). )\, Proxima Centauri (Francia)\, Court-circuit (Francia)\, Ensemble Les Éléments (Francia)\, Berg Orchestra (Praga)\, Soundinitiative (Europa)\, LUX:NM (Germania) e vari solisti della scena musicale contemporanea internazionale. Inoltre conduce collaborazioni con musicisti come il preferito Jean Geoffroy – percussioni\, Cedric Jullion – flauto\, Wilhelm Latchoumia – pianoforte\, Philippe Spiesser – percussioni\, per lavori e ricerche su nuovi strumenti. Il suo lavoro lo ha portato a sviluppare collaborazioni con artisti visivi\, in particolare David Coste per progetti specifici con il video. Lavora anche come scenografo su diversi progetti all’incrocio tra teatro\, installazione\, concerto o oratorio.\nHa ricevuto commissioni da IRCAM\, Ensemble Intercontemporain\, Ministero della Cultura francese\, Akademie der Künste (Berlino)\, CIRM\, GRM\, Festival di Donaueschingen\, Radio France\, Concorso pianistico di Orleans\, GMEM\, GRAME\, Siemens Foundation\, Opera di Tolosa\, il progetto europeo INTEGRA\, lo studio EMS – Stoccolma\, la Fondazione Royaumont\, Cabaret contemporain\, Festival musicale della Biennale di Venezia\, Ministero della Cultura polacco. Vincitore di numerosi concorsi internazionali\, ha vinto il Prix Claude Arrieu SACEM nel 2002\, il Prix Hervé Dugardin SACEM nel 2012\, ed è stato in residenza presso l’Accademia delle Arti di Berlino nel 2003 e nel 2004. Nel 2013 ha vinto un Premio assegnato da ” Academie Charles Cros” per uno dei suoi CD. Nel 2015 è il vincitore del The Great Lyceum Prize in Francia per il suo pezzo “Time & Money”. Dal 2017 al 2019 è artista residente al Lux – Teatro Nazionale di Valence (Francia). Dal 2019 è Direttore Artistico del Festival Musica Electronica Nova\, prodotto dalla Filarmonica di Wroclaw\, Polonia. Le sue opere sono eseguite in luoghi chiave dedicati alle arti sonore contemporanee in Francia\, Europa\, Canada\, Cina\, Corea\, Giappone e Taiwan e Stati Uniti.I suoi lavori sono in parte pubblicati da Editions Jobert e sono oggetto di numerose registrazioni di CD e video per le etichette éOle Records\, Radio France\, Kaïros\, Percussions de Strasbourg. Vive in Francia e Polonia.\nAleksander Wnuk è un percussionista\, performer\, improvvisatore e sound artist. Si è specializzato nell’esecuzione di Musica Contemporanea e Sperimentale\, come solista e camerista. La sua attività comprende la libera improvvisazione\, la performance art strumentale\, la composizione e l’esecuzione di musiche per spettacoli di danza e teatro drammatico. Suoi scritti sono stati pubblicati su numerose riviste di musica contemporanea. Ha collaborato con Pierre Jodlowski\, Sara Nemtsov\, Trond Reinholdtsen e Matthew Shlomowitz a.o. Tra le realizzazioni più significative c’è la prima mondiale del concerto di Sarah Nemtsov En Face\, numerosi recital solistici ed esibizioni da camera nei più importanti festival. È membro dell’ensemble contemporaneo Spółdzielnia Muzyczna (Premio Ernst von Siemens Ensemble 2021-22)\, della Krakow Improvisers Orchestra e di numerosi duetti. Ha collaborato con Hashtag Ensemble\, New Music Orchestra\, The National Stary Theatre e The Juliusz Słowacki Theatre di Cracovia. È stato membro del Percurama Percussion Ensemble. Ha studiato in Danimarca\, Polonia\, Austria e Germania. Ha discusso la sua tesi di dottorato presso l’Accademia di Musica di Cracovia\, dove attualmente insegna.\n\n\n/// A/V SESSION\nproiezioni di opere audiovisive\n \n\nJoão Pedro Oliveira [PT] /// Coalescence\nSiye Tao + Qing-Wen Yan + T.BB [CN] /// Shattered Ripples\nHeiðrikur T. á Heygum [FO] /// MÓÐIR\nRiccardo Tesorini + Edoardo Genzolini [IT] /// Rather then Fall\n\n© Pierre Jodlowsky© Klaudyna Schubert© Joao Pedro Oliveira
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SUMMARY:MA/IN22: MEMORIE AL FUTURO
DESCRIPTION:©  Andrea Buccella\n \nPROGRAMMA\nore 20:30 GERMANO SCURTI /// MEMORIE AL FUTURO concerto per Fisarmonica ed Elettronica\n \n– \n\n GERMANO SCURTI [IT] /// MEMORIE AL FUTURO\nConcerto per Fisarmonica + Elettronica / PRIMA ASSOLUTA\nelettronica: Vincenzo Procino + Giulio Colangelo\nbayan: Germano Scurti \n\nPauline Oliveros [MX] /// Grains\nacusmatico\n\nGiulio Colangelo [IT] /// Hyperion\nbayan + elettronica\n\nDaniele Ghisi [IT] /// Fly\nbayan + elettronica\nPasquale Corrado [IT] /// Hight Light Night\nbayan + elettronica\nGermano Scurti [IT] /// Postludio\nbayan + elettronica\n\n\n\nUn concerto per bayan ed elettronica è un evento più unico che raro. Uno strumento acustico dalle origini esotiche e popolari che negli ultimi decenni\, grazie alle sue infinite risorse espressive\, ha attirato l’attenzione del mondo della musica contemporanea d’arte in un modo quasi prorompente. Ecco\, l’idea di “memorie al futuro” ci sembra quanto mai appropriata per descrivere lo sviluppo che negli ultimi decenni ha vissuto la fisarmonica e in particolare modo la sua versione più evoluta: il bayan. Uno strumento musicale acustico di recente invenzione ed elaborazione che desta sorpresa e nello stesso tempo familiarità. La sua origine\, radicata nella tradizione popolare\, e i suoi sviluppi negli ultimi decenni nella musica colta contemporanea vanno proprio a definire questo suo carattere duplice: essere uno strumento predisposto all’inedito e al tradizionale allo stesso tempo\, una marcatura che probabilmente lo rende inconfondibile.\nConsiderazioni appunto che stanno alla base del nostro concerto\, caratterizzato dalla valorizzazione della suddetta connaturata duplicità: la produzione di memoria e lo slancio verso il futuro\, il sentimento della familiarità e l’attivazione perturbante dell’inedito. Considerazioni dunque che sembrano quasi dispiegarsi naturalmente nella proposta della combinazione da noi proposta\, ovvero il bayan con l’elettronica\, la “marcatura” di uno strumento che fa della fisicità e della corporeità la sua primaria ragione espressiva e le elaborazioni concrete e sintetiche che le nuove tecnologie elettroniche sono in grado di produrre. \nApprezzato per la sua flessibilità e intensità interpretativa\, Germano Scurti è attualmente considerato uno dei migliori interpreti del repertorio contemporaneo dedicato al bayan. Da anni richiama l’attenzione dei compositori e della critica specializzata per l’originalità del repertorio e per l’accentuazione di una prassi performativa che si articola da una parte in una offerta timbrico-sonora paragonabile a quella dell’organo o a quella delle apparecchiature elettroniche e dall’altra in una aderenza alla corporeità dell’interprete che trasforma il linguaggio dei suoni in una coinvolgente fisicità. Negli ultimi anni si è dedicato alla promozione e allo sviluppo nel mondo della musica contemporanea del bayan russo attraverso una ricerca costante e un vivo interesse per quelle produzioni che nascono in collaborazione diretta con i compositori\, presentando opere in prime esecuzione molte delle quali a lui dedicate. Ha eseguito con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI “Sirius”\, concerto per bayan e orchestra composto per lui da Alessandro Sbordoni (commissione Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai). Concerto inciso per la casa discografica Stradivarius sempre con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Significativa la sua partecipazione alle Biennale Musica di Venezia del 2012 in cui ha presentato in prima italiana l’opera “Fachwerk” della compositrice russa Sofia Gubaidulina per bayan e orchestra d’archi. E’ laureato in Sociologia ed è Dottore di Ricerca in Scienze della Comunicazione all’Università degli Studi “La Sapienza” di Roma. Ha insegnato sociologia dell’arte all’Accademia di Belle Arti dell’Aquila. Attualmente insegna al Conservatorio “Tito Schipa” di Lecce. Si occupa di composizione elettroacustica e sound art.
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SUMMARY:MA/IN22: Disordinata storia dell’elettronica (Vol. 1)
DESCRIPTION:PROGRAMMA\nore 18:00 LUCA IAVARONE + ALBERTO GATTI lezione/concerto\n \n– \n*IANNIVERSARY / MA/IN ACADEMY\n\n\nLUCA IAVARONE + ALBERTO GATTI [IT] /// Disordinata storia dell’elettronica (Vol. 1) \nÈ possibile oggi scrivere musica nuova\, diversa da quella del passato? Si possono inventare nuovi strumenti musicali o creare i suoni da zero? E la tecnologia potrà esserci d’aiuto in queste sfide? Queste sono alcune delle domande che si sono posti i pionieri della musica elettronica. Cosa si intende per musica elettronica? Come va ascoltata? Ma è quella per ballare oppure no? È musica o rumore? E perché dovrei sedermi in una stanza\, magari al buio\, e ascoltare dei suoni strani diffusi da uno o più altoparlanti?\nQueste sono invece le domande che ci faremo insieme a Luca Iavarone (giornalista e creativo) ed Alberto Gatti (compositore) in “Disordinata storia dell’elettronica” (Vol. 1)\, una serie di incontri per mostrare la musica elettronica sotto un diverso punto di vista\, senza tecnicismi e complessi filosofici. Nel primo incontro tratteremo l’asse di contatto tra le origini dell’elettronica e la contemporaneità\, con un focus particolare su Xenakis. Xe… Chi? Ecco\, appunto\, ci vediamo all’incontro! \nLuca Iavarone è un creativo italiano attivo in numerosi campi: giornalista\, comunicatore\, web author\, regista\, musicista. È l’attuale direttore creativo del gruppo editoriale Ciaopeople. Dal 2001 ad oggi ha scritto composizioni musicali per opere teatrali e di video arte (Mercadante\, Teatro Nuovo\, Elicantropo\, Pan\, Villa Medici) e realizzato installazioni sonore per le mostre del fotografo Antonio Biasiucci.\nCome interprete ha co-fondato il Revenaz Quartet\, un collettivo “neo-dadaista e postmoderno” che ha fatto della riflessione sulla cultura di massa il suo campo di indagine. In qualità di giornalista\, dal 2012 al 2016 è stato caporedattore dell’area cultura del quotidiano Fanpage.it. Qui esplora il mondo della viralità con contenuti di qualità\, affrontando temi sociali con un taglio personale a cavallo tra satira e antropologia culturale. Dal 2016 è direttore creativo di Fanpage.it e della redazione di Ciaopeople. Vincitore di 9 Lovie Awards\, gli Oscar europei del web\, è autore di campagne video come “Slap her”\, nella top annuale dei brand più visti al mondo su YouTube. Nel 2019 ha curato l’operazione artistica ‘Veiled Son’ con lo scultore Jago. Come scrittore ha partecipato alle pubblicazioni “Il regno incantato – storie e leggende partenopee” e alla prima biografia italiana del compositore brasiliano João Gilberto. Nel 2021 ha fondato il progetto di musica e divulgazione brasiliana “Saravà\, Napoli tropicale”.\nNel 2022 ha partecipato al Campania Teatro Festival con uno spettacolo in cui raccontava favole per bambini agli adulti e per il quale ha scritto anche le musiche originali\, ‘Fiabe per rimettersi al mondo.\nAlberto Maria Gatti  è un compositore\, sound designer e computer music designer. Ha frequentato i corsi di musica elettronica al Conservatorio di Firenze e nel 2022 il Master Aremus al Conservatorio di Roma relativo alla pratica della ricerca artistica in musica. Ha inoltre frequentato workshop e seminari di composizione e direzione del suono\, studiando con Tiziano Manca\, Vittorio Montalti\, Girolamo Deraco\, Roberto Castello e Alvise Vidolin. Come compositore ha partecipato a diversi festival ed eventi di musica contemporanea tra cui: Tempo Reale\, Museo del Novecento\, Fabbrica Europa\, Inner Spaces\, Palazzo Vecchio\, Salone del Mobile di Milano\, SIMC\, Festival Pontino\, Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles\, Fabbrica Europa\, Teatro del Giglio\, Teatro Teatro Cantiere Florida\, Spam/Aldes\, Museo Pecci. Dal 2020 collabora con l’associazione culturale Versiliadanza come compositore ed interprete di musica elettronica. In qualità di computer music designer\, ha partecipato a vari eventi quali: Forum Wallis\, Bartok Opera Pluz\, Teatro dell’Opera di Roma\, Fondazione I teatri di Reggio Emilia\, Biennale di Berlino e Milano Musica Festival. In qualità di ricercatore\, dal 2018 porta avanti il ​​proprio progetto di ricerca ‘Il rapporto tra corpo e suono’. Attualmente lavora come compositore freelance e come ingegnere del suono presso l’etichetta discografica Ema Vinci Records. Dal 2021 è entrato a far parte della società musicale AI Musi-co come sound designer e sviluppatore di software. Nella sua pratica si interessa alla produzione di musica elettroacustica e mista\, lavorando con diversi software per la programmazione di ambienti performativi\, sfruttando linguaggi di programmazione visuale (Max/MSP\, PureData)\, Arduino e derivati\, oltre alla programmazione illuminotecnica. Da settembre 2022 svolge uno stage presso il dipartimento di didattica dell’IRCAM a Parigi.\n\n\n\n\n⊕ MA/IN academy\nè a un articolato percorso dedicato alla formazione e all’educazione sulla musica contemporanea\, multi-livello e multi-target: l’offerta dedicata al pubblico generalista attraverso le lezioni-concerto di Luca Iavarone che ogni anno racconterà un periodo della storia della musica elettronica dal ‘900 a oggi\, i talk con gli artisti e le introduzioni all’ascolto\, i concerti dedicati ai centenari di alcuni grandi compositori ; la proposta dedicata agli studenti dei licei musicali attraverso le masterclass con alcuni artisti per introdurli al processo creativo e la partecipazione attiva in alcune attività del progetto; il coinvolgimento degli studenti dei Conservatori partner del progetto attraverso un percorso formativo che li porterà a confrontarsi con alcuni importanti compositori per la realizzazione di composizioni elettroacustiche da presentare all’interno del MA/IN; il percorso di perfezionamento dedicato ai giovani compositori selezionati dalla call internazionale per la presentazione dei loro lavori in prima assoluta. \n⊕ IANNIVERSARY\nè un omaggio alla musica elettroacustica di Iannis Xenakis\, compositore greco\, pionere delle musica elettronica. Il 2022 segna un secolo di Iannis Xenakis.
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SUMMARY:MA/IN22: LATENTSCAPE
DESCRIPTION:©  Franz Rosati\n \nPROGRAMMA\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition]\nore 21:00 ACOUSMATIC SESSION concerto\nore 21:30 FLAVIA MAZZANTI /// NEXUM audiovisual\nore 22:00 FRANZ ROSATI /// LATENTSCAPE live AV performance\nore 23:00 SIMON WHETHAM /// SUCCESSIVE ACTIONS live performance \n– \n///ACOUSMATIC SESSION\nconcerto musica acusmatica\n \n\nPauline Patie [FR] /// Bulle d’air\nRodney DuPlessis [CA] /// Psi\nAlex Buck [BR] /// Does it Matter?\n\n\n\n\nFRANZ ROSATI [IT] /// Latentscape ⊕ preview \nLatentscape è un nuovo progetto di media art concepito per essere esposto come un Concerto Audiovisivo\, una serie di opere d’arte digitali\, un’installazione site-specific\, un film di video arte. Latentscape è un’esplorazione di paesaggi virtuali immaginari generati con l’aiuto di GAN addestrati con set di dati DEM personalizzati\, immersi nella musica prodotta dall’architettura SampleRNN addestrata con suoni di diverse tradizioni musicali lontane nello spazio e nel tempo. I paesaggi e la musica con la loro diversità topologica e timbrica raffigurano l’incontro di dati umani intesi come incontro e fusione di pensieri\, sentimenti ed esperienze. Un paesaggio è una cornice perfetta per rappresentare le relazioni poiché è il luogo in cui viviamo e lasciamo le nostre tracce. \nFranz Rosati è musicista\, artista digitale e conferenziere. Usa le tecnologie digitali e il software personalizzato come base per la sua produzione artistica\, progettata per incarnare diverse emanazioni da concerti audiovisivi\, installazioni basate su schermo\, software art e opere d’arte stampate. Da diversi anni Franz Rosati esplora un ampio spettro di output estetici che vanno dal minimalismo procedurale e generativo wireframe e rendering 3D in tempo reale\, dalla creazione di creature virtuali autonome come Machine and Structure o Pathline\, all’esplorazione di paesaggi immanenti distopici.\n\n\n FLAVIA MAZZANTI [IT/BR] /// N E X U M ⊕ preview \nN E X U M si interroga su come noi\, come individui\, facciamo affidamento psicologicamente sui nostri spazi abitativi e su come noi\, come società\, influenziamo e siamo influenzati da ciò che ci circonda. La trama segue gli spostamenti quotidiani della protagonista attraverso diversi spazi urbani\, pubblici e privati\, e il suo modo di interazione e scambio con essi. Un secondo livello parallelo mostra in modo fittizio l’impatto dei diversi regni nella sensazione affettiva dei protagonisti\, riflettendo su come l’interazione all’interno di ambienti diversi generi diversi comportamenti psicologici. \nFlavia Mazzanti è un’artista\, architetto e imprenditrice italo-brasiliana con sede a Vienna nel campo della realtà virtuale e dei media digitali. È co-fondatrice di Immerea OG – una società di media interattive focalizzata sullo sviluppo di giochi VR e installazioni virtuali –\, docente esterno all’Università di Innsbruck e attiva come docente in conferenze e simposi nazionali e internazionali. Flavia si è laureata con lode all’Accademia di Belle Arti di Vienna\, ricevendo il Premio Gustav Peichl per il disegno architettonico e il Würdigungspreis per il lavoro artistico. Attraverso l’uso dei media immersivi e del cinema sperimentale\, il suo lavoro si confronta spesso con teorie artistico-filosofiche sul post-antropocentrismo e sul nuovo materialismo\, con l’interesse a fornire prospettive alternative su noi stessi e il nostro ambiente. Il suo lavoro è stato proiettato e premiato in numerosi festival nazionali e internazionali\, tra cui Ars Electronica Festival\, DA Z – Digital Arts Festival Zurich\, ADAF.\n\nSIMON WHETHAM [UK] /// Successive Actions \nSuccessive Actions è un nuovo progetto di performance sonora in cui una collezione di dispositivi motori obsoleti\, recuperati da prodotti di uso quotidiano\, viene attivata da registrazioni sonore dell’ambiente. A sua volta\, questo processo fa sì che i dispositivi emettano i propri suoni\, che vengono amplificati utilizzando vari microfoni e tecniche. Le registrazioni presentano fenomeni che si verificano in modo imprevedibile e irregolare nella vita di tutti i giorni – traffico di passaggio\, vento\, chiusura di porte – e per questo il movimento dei dispositivi è casuale\, variabile e autonomo. Il progetto cambia e si adatta al suo ambiente. I dispositivi vengono aggiunti alla raccolta o rimossi e i suoni della posizione cambiano ogni volta l’attivazione e il movimento dei dispositivi. Le prestazioni e il metodo di presentazione si evolvono e si perfezionano ad ogni iterazione. Le telecamere sono parte della configurazione che offre al pubblico due viste intime dei dispositivi che si esibiscono. \nDal 2005 Simon Whetham ha sviluppato una pratica di lavorare con il suono come materia prima per la creazione. Usa il suono ambientale\, impiegando una varietà di metodi e tecniche al fine di ottenere fenomeni sonori spesso inosservati e oscurati. Le sue ricerche e collaborazioni lo hanno portato a lavorare sempre più in progetti multidisciplinari\, portando il suo lavoro a diventare più visivo e tangibile. Attualmente sta esplorando modi per trattenere le tracce fisiche del suono e trasformare le forme di energia. Progetti a lungo termine in Asia e America Latina hanno fortemente influenzato i suoi metodi di lavoro e la sua ideologia. Whetham si esibisce a livello internazionale\, partecipando a Izis 2022 (SI)\, MFRU 2022 (SI)\, phonon~festival 2022 (CZ)\, NEXT 2021 (SK)\, In Vitrø 2019 (IT)\, Fresh Winds Biennale 2018 & 2016 (IS) \, Nakanojo Biennale 2017 (JP)\, ACC Showcase 2018 (KR)\, Tsonami Festival 2017 e 2012 (CL)\, Madeiradig 2010 e 2011 (PT) e Moers Festival 2011 (DE)\, e ha composto opere pubblicate da etichette tra cui Kohlhaas (IT )\, Mappa (SK)\, Crónica (PT)\, Grünrekorder (DE) e Line (USA).\n© Manuel Bonell© Jeff Rollings
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SUMMARY:MA/IN22: THE ACT OF TOUCH
DESCRIPTION:©  Jacopo Salvi\n \nPROGRAMMA\nore 19:00 workshop gratuito su Ableton Live 11 con Andrea Fiorito\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition]\nore 21:30 TOVEL + MAZZONELLI +  WEGHER /// THE ACT OF TOUCH mixed media performance\nore 22:30 PIER ALFEO live performance\n \n– \nMATTEO FRANCESCHINI (aka Tovel) + JACOPO MAZZONELLI  [IT] /// The ACT of TOUCH⊕ video \nmusic and live concept: Tovel (aka Matteo Franceschini)\nartworks and live concept: Jacopo Mazzonelli\nlive electronics: Tovel (aka Matteo Franceschini)\nperformers: Jacopo Mazzonelli\, Eleonora Wegher \nIl pianoforte è senza dubbio lo strumento che più rappresenta la fioritura della cultura musicale occidentale dal tardo Settecento a oggi. In questo senso\, la performance musicale The Act of Touch\, costruita sull’opera ABCDEFG di Jacopo Mazzonelli\, permette un cammino a ritroso\, una sorta di regresso all’essenziale\, un percorso di “purificazione” creativa votata a catturare l’immagine più profonda di ciò che si sta scrivendo: la materia\, i tasti bianchi\, le sette note\, l’alternanza rigo/spazio del pentagramma.\nThe Act of Touch getta lo spettatore all’interno di un paesaggio sonoro inatteso\, dove il suono organizzato si palesa dopo un complesso itinerario di esplorazione dei materiali. Ordinata su più livelli visivi e concettuali\, la performance si configura come una graduale e consapevole scoperta d‘identità – un percorso di conoscenza e sviluppo che l’impiego dei sette pianoforti/scultura modificati permette di compiere. La collaborazione tra Matteo Franceschini e Jacopo Mazzonelli si realizza attraverso una performance dove la scrittura acustica si fonde con la manipolazione elettronica in tempo reale. La nuova fisionomia dei pianoforti e la trasformazione dei suoi materiali si delinea come il punto di partenza per una riflessione sulla natura stessa del rapporto tra suono e materia.\nIn The Act of Touch\, ognuno dei sette dispositivi è amplificato singolarmente e disposto secondo una precisa sequenza dove la nota centrale della scala diatonica (fa) assume un ruolo chiave nello sviluppo del discorso musicale. I pianoforti sono posizionati specularmente per ognuno dei due esecutori\, mentre la tavola armonica della nota FA – al centro della scena – è orientata direttamente verso il pubblico. Le mani dei performers ne esplorano le risonanze attraverso l’impiego di una serie di antichi diapason intonati per semitoni. Mediante un gruppo di sensori che rileva ed analizza le vibrazioni del materiale ligneo trasformandole in nuovi timbri\, gli esecutori attivano un virtuosistico gioco tecnico. Un sistema multicanale di controllo dell’illuminazione trasforma ogni scena in un quadro visivo\, concentrando gradualmente l’attenzione su precisi dettagli espressivi. La scelta radicale di utilizzare unicamente materiali\, forme e suoni derivati dai sette pianoforti amplifica e al tempo stesso chiude il cerchio attorno a un progetto a cui Franceschini e Mazzonelli hanno lavorato negli ultimi tre anni\, dalla scelta dei materiali alla costruzione degli strumenti\, attraverso l’archiviazione e la successiva rielaborazione di ogni suono incontrato durante il processo di trasformazione. \nMatteo Franceschini\, in arte TOVEL\, è un compositore\, polistrumentista e performer italiano di musica elettronica sperimentale con sede a Parigi. Nato in una famiglia di musicisti\, Matteo Franceschini ha iniziato gli studi di composizione con il padre diplomandosi poi al Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano sotto la guida di Alessandro Solbiati. Ha studiato all’Accademia Nazionale “Santa Cecilia” di Roma sotto la guida di Azio Corghi e ha frequentato il Cursus offerto dall’Ircam di Parigi. Ha ricevuto numerosi premi\, sia in concorsi nazionali che internazionali e ha ricevuto commissioni da importanti festival e organizzazioni come Orchestra Filarmonica della Scala\, Ensemble Intercontemporain\, Wigmore Hall\, Biennale di Venezia\, Ircam-Centre Pompidou\, Philharmonie de Paris. Leone d’Argento 2019 alla Biennale di Venezia\, “Fedora – Rolf Liebermann Prize for Opera 2014”\, è stato premiato dalla Banque Populaire Foundation e ha ricevuto la “Italian Affiliated Fellowship in the Arts” dall’American Academy in Rome. È stato nominato compositore in residenza alla Fondazione Haydn\, all’Orchestre national d’Île-de-France e all’Accademia Filarmonica di Roma. In Gravity\, il suo primo album prodotto da Scala Music\, i suoni acustici di pianoforte\, sassofono e archi\, intrecciati con le esplosioni di sintetizzatori modulari. Una musica pulsante\, esplosiva che non smette mai di cambiare. Da gennaio 2011 è edito da Casa Ricordi – Universal Music Publishing.\nJacopo Mazzonelli realizza sculture\, costruzioni e installazioni che indagano l’ampio territorio di confine tra arti visive e musica. La sua ricerca è caratterizzata da tecniche e metodologie mutuate da diverse discipline. Lavorando sull’interpretazione e visualizzazione della dimensione sonora\, l’artista si confronta con strumenti che decostruisce\, trasforma e rimonta. I punti focali del suo interesse sono il “gesto musicale”\, le indagini sulla percezione del ritmo e sul divenire del tempo. Ha tenuto mostre personali in Italia e all’estero. Tra le sue principali mostre ricordiamo “Sografia”\, Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna (2018); “Da suonare al massimo volume”\, Mart – Galleria Civica di Trento (2017); “6° Premio Fondazione VAF. Posizioni attuali dell’arte italiana”\, Schauwerk\, Sindelfingen (Stoccarda) e Stadtgalerie\, Kiel (2014); “La Correzione” con Silvia Giambrone\, Galleria Paolo Maria Deanesi\, Trento; “Differenza e Ripetizione”\, Galleria Giovanni Bonelli\, Milano; “6. JCE Biennale d’Art Contemporain”\, Le Beffroi\, Montrouge\, Museu de l’Empordà\, Figueres\, The Art Building\, Vrå\, Museo Amadeo De Souza-Cardoso\, Amarante; “Isorhythm” con Giulio Paolini\, a cura di Bettina Della Casa\, Galleria Studio G7\, Bologna. Dal 2017\, in collaborazione con il compositore Matteo Franceschini\, ha realizzato un’ampia serie di progetti performativi di cui è stato anche interprete diretto\, insieme alla pianista Eleonora Wegher.\nNata a Verona\, Eleonora ha iniziato lo studio del pianoforte con Laura Palmieri e si è diplomata con lode al Conservatorio Bonporti di Trento sotto la guida del Prof. M. R. Corbolini. Successivamente si è perfezionata presso l’Accademia Pianistica Internazionale di Imola “Incontri col Maestro” con il M° Leonid Margarius e Anna Kravtchenko e successivamente presso la Hochschule fur Musik und Theatre “F. Mendelssohn” di Lipsia con il M°A. Meinel e H.M. Schreiber. Vincitore di numerosi concorsi fin da giovanissimo\, tra cui la XXIII Edizione Concorso Pianistico Muzio Clementi di Firenze\, XI Concorso Pianistico Internazionale di Roma – Premio Seiler\, XIV Concorso Internazionale Franz Schubert di Ovada\, Concorso Pianistico Internazionale Vila de Capdepera di Palma di Maiorca \, Concorso Pianistico Internazionale Delia Steinberg di Madrid\, Eleonora si è esibita con l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento\, l’Orchestra Classica di Alessandria e l’Orchestra da Camera del Teatro La Fenice di Venezia.\n\n\n\n\n\n\n\n\nPIER ALFEO [IT] /// Everything plus one  \nprima assoulta /  live performance\nPier Alfeo (classe 1985) è artista sonoro e compositore elettronico. La sua pratica spazia da brani di musica elettronica\, performance audiovisive immersive\, sculture sonore e opere visive. Dopo aver vissuto in molte città italiane\, si è trasferito a Berlino dove ha acquisito un ampio riconoscimento come interprete musicale collaborando per varie etichette discografiche\, organizzando eventi ed esibendosi in festival internazionali dove ha condiviso il palco con artisti come Robert Henke\, Fennesz\, Rashad Becker e tanti altri.\nNel 2019 presenta la sua prima mostra personale Incisione su Silenzio presso la Galleria Doppelgaenger di Bari con un testo critico di Valentino Catricalà. Alla fine del 2019 ha ottenuto il massimo riconoscimento al “Premio Nazionale delle Arti” con la stessa opera Incisione su Silenzio\, nella sezione “Arti Elettroniche”; per l’occasione Alfeo è stato valutato da una giuria internazionale composta da Carolyn Christov-Bakargiev\, Beatrice Merz\, Sergio Toffetti\, Irene Dionisio e Piero Gilardi. L’opera è stata esposta presso l’Accademia Albertina di Torino in contemporanea al FISAD 2019. Nel 2020 ha preso parte al Blooming Festival curato da Federica Patti e Quiet Ensemble a Pergola e alla mostra Rilevamenti 2 a cura di Valentino Catricalà presso il CAMUSAC | Museo Arte Contemporanea di Cassino.\n\n\n\n\n\n\n\n© Jacopo Salvi© Jacopo Salvi© Pier Alfeo\n 
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SUMMARY:MA/IN22: BLACK LIGHT
DESCRIPTION:©  JesterN\n \nPROGRAMMA\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition] \nore 21:00 CONCERTO PER FISARMONICA + ELETTRONICA mixed media music\nore 22:00 ALBERTO NOVELLO /// BLACK LIGHT live performance\nore 23:00 ROZENHALL – BACKMAN audiovisual \n– \n* MA/IN ACADEMY / PRIMA ASSOLUTA\n\nConcerto per Fisarmonica + Elettronica\nin collaborazione con il Conservatorio di Lecce (classi di Bajan e Musica Elettronica)\ne del Conservatorio di Potenza (classe di composizione) \n\nMichele Quinto [IT] /// Fuori dal mantice\nacusmatico\nLeanna Ciciriello [IT] /// No machine gun\nbayan | Pietro Secundo\nLuciano Signore [IT] /// Eclissi\nbayan | Vittorio Chittano\nFrancesco Rizzo [IT] /// Deus ex machina\nbayan | Alberto Nardelli\n\n\nALBERTO NOVELLO (aka JesterN) [IT] /// Blacklight ⊕ video\nL’artista usa le proprietà della luce ultravioletta per disegnare mondi in continua evoluzione su di una superfcie fotosensibile. In contrasto con i frenetici movimenti del laser\, strutture dai minuziosi dettagli emergono lentamente dalla tela. Ricordano citta\, foreste ed architetture aliene. Una performance contemplativa cha si contrappone al ritmo sfrenato che ci circonda\, in cui il tempo e’ dilatato dal fosforo e la luce catturata dalla tela. Come nella maggiorparte dei Lavori di JesterN\, il suono della performance e’ lo stesso segnale che muove il fascio fotonico del laser: un discorso sinestesico coeso imbandito per i sensi dello spettatore. \nLe sue produzioni in forma di performance\, talk\, paper e composizioni sono state presentate al Centre Pompidou di Parigi\, Museo Reina Sofia Madrid\, Ars Electronica Linz\, Amsterdam Dance Event\, Biennale di Venezia\, New York Computer Music Festival\, Bozar Bruxelles\, BOA Biennale Porto\, Rewire Festival Den Haag\, Glasgow Contemporary Art Center\, Dom Moskow\, Seoul International Music Festival\, Rome University of Fine Arts\, solo per citarne alcuni. Ha pubblicato dischi per Staalplat\, Bowindo\, Elli Records\, Dobialabel\, Setoladimaiale\, Ante-Rasa e Creative Sources. Si è laureato in Fisica Nucleare all’Università di Trieste\, ha completato il master Art Science Technologies con Jean Claude Risset\, ha conseguito un dottorato di ricerca presso la Technische Universiteit Eindhoven con Armin Kohlrausch\, e si è laureato in Musica Elettronica presso l’Institute of Sonology\, Royal Conservatory of Den Haag. Ha lavorato per Texas Instruments\, Philips Research e Auro Technologies creando software per le loro applicazioni audio. Ha assistito Alvin Lucier\, David Behrman\, Nicholas Collins e Trevor Wishart. Ha improvvisato con Evan Parker\, Butch Morris\, Karl Berger. È stato professore invitato alla Sussex University\, MICA Baltimore\, SAIC Chicago\, Tallin University\, Den Haag Conservatory\, Turin Conservatory\, IEM Graz\, Champaign-Urbana University\, CMMAS Mexico\, tra gli altri.\n\nDANIEL ROZENHALL + STEN BACKMAN [SE] /// Den Förföljdes Gryning\nLa musica di Daniel Rozenhall in “Den förföljdes gryning” è stata pubblicata nel 2019 come LP per l’etichetta iDEAL Recordings\, in un’edizione di 99 copie. Il disco è arrivato con la copertina di Sten Backman. Il film presentato in questo programma\, con la musica di Rozenhall e le immagini di Backman\, è stato precedentemente presentato in diversi festival ed eventi in Lettonia\, Svizzera\, Messico\, Cina\, Hong Kong\, Macao\, Taiwan\, Giappone\, Thailandia\, Danimarca e Svezia. Questa è la prima italiana. \nDaniel Rozenhall è un compositore\, artista visivo e produttore discografico\, residente in Svezia. Rozenhall\, che lavora presso lo studio EMS di Stoccolma\, utilizza vari sintetizzatori e sorgenti sonore concrete per creare paesaggi sonori elettroacustici dal carattere surreale\, da incubo e talvolta psichedelico. Rozenhall è stato attivo come produttore discografico per l’etichetta Fylkingen Records negli anni 2002-2016\, ed è attualmente coinvolto nell’etichetta Firework Edition Records. Il suo prossimo LP solista “Dance of the Aberrant” sarà co-pubblicato nel 2023 dall’etichetta Adaadat nel Regno Unito e dalla Firework Edition Records in Svezia.\nSten Backman è un artista visivo\, compositore e grafico\, che vive in Svezia. I suoi campi di lavoro comprendono molte aree\, come branding e identità\, editoria\, applicazioni interattive\, design di prodotti\, siti Web\, design di mostre\, video musicali e copertine di dischi. Ha collaborato con grandi aziende e piccoli clienti indipendenti e nel 2006 ha fondato la sua società\, Great Big Container. Backman ha collaborato con J.G Thirlwell (alias Foetus) e\, tra le altre cose\, ha realizzato le immagini per l’album di Thirlwell “Xordox”\, un lavoro che è stato mostrato a Londra\, Dublino\, Los Angeles e New York.\n\n⊕ MA/IN academy\nè a un articolato percorso dedicato alla formazione e all’educazione sulla musica contemporanea\, multi-livello e multi-target: l’offerta dedicata al pubblico generalista attraverso le lezioni-concerto di Luca Iavarone che ogni anno racconterà un periodo della storia della musica elettronica dal ‘900 a oggi\, i talk con gli artisti e le introduzioni all’ascolto\, i concerti dedicati ai centenari di alcuni grandi compositori ; la proposta dedicata agli studenti dei licei musicali attraverso le masterclass con alcuni artisti per introdurli al processo creativo e la partecipazione attiva in alcune attività del progetto; il coinvolgimento degli studenti dei Conservatori partner del progetto attraverso un percorso formativo che li porterà a confrontarsi con alcuni importanti compositori per la realizzazione di composizioni elettroacustiche da presentare all’interno del MA/IN; il percorso di perfezionamento dedicato ai giovani compositori selezionati dalla call internazionale per la presentazione dei loro lavori in prima assoluta. \n© Sten Backman
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SUMMARY:MA/IN22: Sound Art Exhibition
DESCRIPTION:© Pier Alfeo \nPROGRAMMA\n4 + 5 + 6 novembre\nore 20:00 – 24.00 \n• [SPECT[RO]OM]\ninstallazione acusmatica\nAntonio Forastiero [IT] /// Reflections\nPablo Geeraert [BE] + Joseph Sims [CA] /// Esquisse d’une Sandbox\nEdoardo Maria Bellucci [IT] /// Free Field – interazione/riflessione\nDariush Derakhshani [DE/IR] /// Pārsa\nMatteo Tundo [IT] /// Frantumi\nNi Zheng [CN] /// Abyssal\nKatarina Gryvul [UA] /// Pasaż Róży \n• Pier Alfeo [IT] /// CC.Beta\ninstallazione sonora \n• Lorenza Morandotti + Lorenzo Pierobon + David Rossato + Christian Steiner [IT] /// Omphalos\ninstallazione AV \n• Mengtai Zhang + Lemon Guo [US/CN] /// Diagnosia\ninstallazione VR \n*IANNIVERSARY / produzione LOXOS~\n\n• Vincenzo Procino [IT] /// NEBULA XENAKIS\ninstallazione sonora basata su musica acusmatica di Iannis Xenakis \n\n⊕ IANNIVERSARY\nè un omaggio alla musica elettroacustica di Iannis Xenakis\, compositore greco\, pionere delle musica elettronica. Il 2022 segna un secolo di Iannis Xenakis.
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SUMMARY:ARCHIPELAGO: THOMAS ANKERSMIT | kNN
DESCRIPTION:© Mich Leemans\n \nPROGRAMMA\nore 19:00 lecture Thomas Ankersmit : ‘il lavoro pioneristico di Maryanne Amacher e le emissioni otoacustiche’\nore 21:00 kNN live performance\nore 22:00 THOMAS ANKERSMIT live performance \n–\nTHOMAS ANKERSMIT [NL] /// Perceptual geography\n‘Perceptual Geography’ è un solo live-project di Thomas Ankersmit\, ispirato alle ricerche pionieristiche della compositrice e artista americana Maryanne Amacher (1938-2009)\, eseguito interamente su sintetizzatore analogico Serge Modular. In ‘Perceptual Geography’\, Ankersmit esplora diverse possibilità di ascolto: non solo quali suoni e quando vengono percepiti ma soprattutto come e dove (nella stanza\, nel corpo\, nella testa). In questo lavoro Ankersmit fa largo uso delle cosiddette emissioni otoacustiche\, suoni che l’orecchio dell’ascoltatore produce come reazione a determinate frequenze emesse da Ankersmit\, che sembrano generarsi dall’interno della testa: un’esperienza straordinariamente coinvolgente che pochi ascoltatori hanno sperimentato prima. Per ogni esibizione\, Ankersmit ‘accorda’ il suo strumento sulle caratteristiche risonanti dello spazio ospitante\, in modo che la musica attivi l’architettura. In un’epoca in cui apparentemente tutto viene consumato tramite schermi e cuffie\, ‘Perceptual Geography’ è un’esperienza che può essere realmente vissuta solo nel momento dell’esecuzione\, in uno spazio fisico reale. ‘Perceptual Geography’ è stato commissionato dal CTM di Berlino e Sonic Acts di Amsterdam e presentato in anteprima lo scorso anno presso il GRM Acousmonium di Parigi. \nThomas Ankersmit (Leida\, Olanda\, 1979) è un musicista e sound-artist che vive e lavora tra Berlino e Amsterdam. E’ uno dei pochi musicisti a utilizzare il sintetizzatore Serge come strumento per perfomance dal vivo. Si interessa particolarmente di fenomeni fisici e psicoacustici\, emissioni otoacustiche e infrasuoni. Ankersmit collabora spesso con il compositore minimal Phill Niblock e performa in duo con Valerio Tricoli o Kevin Drumm. La sua musica è stata rilasciata da etichette come PAN\, Touch\, Shelter Press e Ash International.\n\nkNN aka Renato Grieco [IT]\n \nMusicista elettroacustico e compositore nato nel 1991 a Napoli. Indaga e mette in relazione diverse esperienze acustiche non legate necessariamente al suono/musica: contorto cinema per le orecchie collide con la power electronics e il riduzionismo strumentale; dialogo muto tra realtà e rappresentazione\, suono site speci fic e nichilismo grottesco\, rigida premeditazione e forma aperta. Attivo dal 2012 nella ricerca elettroacustica e nel 2015 studente della classe di musica elettronica del conservatorio di San Pietro a Majella. Attualmente coinvolto nel duo di improvvisazione elettroacustica les énervés e collabora stabilmente con il clarinettista francese Xavier Charles e con il percussionista Riccardo La Foresta. Nel quartetto di registratori a bobine Ritorna\, assieme a Giulio Nocera\, SEC_e Valerio Tricoli\, e nel duo double gootcher shop\, assieme al poeta e artista australiano Matthew P. Hopkins. Si è esibito in Italia\, Francia\, Svizzera\, Inghilterra\, Germania\, Olanda\, Belgio\, Norvegia\, Slovenia\, Polonia\, Grecia\, Turchia\, Russia in festival e venue come: Cafè Oto (Londra); Saturnalia (Milano); Museo (Mosca); A.I.D. (Istanbul); MU (Cesena); Zavod Sploh (Lubjana); Syros Sound Meeting (Syros)\, Museo Herman Nitsch (Napoli); PAN (Napoli); Flussi festival (Avellino). In aggiunta alla sua attività di musicista è organizzatore e promotore del festival La Digestion\, assieme a Giulio Nocera\, SEC_ e l’artista Andrea Bolognino. Lavora come fonico di presa diretta freelance e fonico di sala presso il KU studio. Inoltre\, ha collaborato con i musicisti: Elio Martusciello\, Eks\, Francesco Gregoretti\, Mario Gabola\, Giovanni Lami\, Ensemble Dissonanzen\, Evan Parker\, Michel Doneda\, Olivier Di Placido\, Carl Ludwig Hübsch.\n\n⊕\nARCHIPELAGO è una nuova sezione di MA/IN festival curata da Aaltra (Sonia Martina\, Mauro Diciocia)\, che inaugura le attività dell’edizione 2022 del festival appulo-lucano dedicato alla musica elettroacustica e alle arti digitali promosso dall’associazione LOXOSconcept\, ormai giunto alla sua sesta edizione.\nARCHIPELAGO nasce dalla collaborazione tra MA/IN e Aaltra come spazio di riflessione sulle pratiche sonore liminali\, col fine di incentivare l’ascolto come fatto critico\, attivo e partecipato. ARCHIPELAGO prova a mettere in relazione una pluralità di linguaggi e poetiche contemporanee difficilmente percepibili come una struttura unificata poggiata su un’ipotesi sonora condivisa ma che\, tuttavia\, riesce a configurarsi come un’insieme organico – un arcipelago appunto – in grado di ridefinire costantemente modelli\, forme\, strumenti e geografie sonore.\n© Udo Siegfriedt (CTM 2019)aka Renato GriecoARCHIPELAGO22
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CATEGORIES:Educational,Live Performance
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SUMMARY:ARCHIPELAGO: ANDREA BORGHI | TOMOKO SAUVAGE
DESCRIPTION:© Leo Lopez \nPROGRAMMA\nore 19:00 artist talk con ANDREA BORGHI\nore 21:00 ANDREA BORGHI live performance\nore 22:00 TOMOKO SAUVAGE live performance \n–\nANDREA BORGHI [IT] /// Discomateria\nIn ‘Discomateria’ Andrea Borghi esplora la tattilità e la matericità del suono attraversa oggetti a forma e dimensione di un LP\, realizzati con vari materiali – come vetro\, resina\, metallo e recentemente anche marmo – ed elaborati con sostanze che trasformano la struttura della superficie dei materiali come gli acidi. Nella live performance i dischi vengono utilizzate per produrre suoni direttamente dal materiale attraverso l’utilizzo di un giradischi preparato ed elaborati in tempo reale con Max/MSP. Iniziato nel 2010 come progetto legato alla pittura astratta del XX secolo e ispirato tanto allo spazialismo quanto al tachisme\, oltre ai suoni\, Discomateria produce un corpus crescente di pezzi d’arte autonomi. \nAndrea Borghi è un insegnante di arte\, artista sonoro e compositore elettroacustico con sede a Pietrasanta. Nelle sue creazioni esplora i rapporti tra suono e materia attraverso ausili tecnologici e processi digitali. La sua ricerca riguarda le relazioni tra l’elemento fisico e l’immaterialità del suono attraverso un processo che si colloca tra musica concreta e scultura.\n\nTOMOKO SAUVAGE [JP] /// Waterbowls\nIn ‘waterbowls’\, l’artista lavora con ciotole e recipienti di porcellana di diverse dimensioni\, riempiti d’acqua e amplificati con idrofoni. La sua ricerca nasce dall’acqua nelle sue diverse forme – gocce\, onde e bolle – dalle risonanze dei contenitori\, così come dal feedback audio\, dando origine a tessiture di drones e overtones naturali. \nMusicista e sound artist giapponese di base a Parigi\, ha realizzato performance\, mostre e workshop in Europa\, Stati Uniti\, Canada e Giappone. Le performance di Tomoko Sauvage vertono su un delicato equilibrio fra controllo e apertura al caso\, alle percussioni accidentali di gocce\, alle caratteristiche acustiche dello spazio e alle fragili tonalità create a partire da materiali fluidi ed effimeri\, in un processo di costante movimento e dissoluzione. Oltre alla sua ricerca in solo\, Tomoko ha collaborato con musicisti e coreografi fra cui Frédéric Nogray\, Nicolas Lelièvre\, Brigitte Chataignier\, Francesco Cavaliere. I suoi lavori sono stati pubblicati da e/OAR (US)\, aposiopèse (BE)\, edizioni dokidoki (FR). Nel 2011\, ha creato una nuova serie di ciotole in porcellana durante la sua residenza presso La Pommerie (FR) in collaborazione con Ceramic Research Center di Limoges (CRAFT).\n\n⊕\nARCHIPELAGO è una nuova sezione di MA/IN festival curata da Aaltra (Sonia Martina\, Mauro Diciocia)\, che inaugura le attività dell’edizione 2022 del festival appulo-lucano dedicato alla musica elettroacustica e alle arti digitali promosso dall’associazione LOXOSconcept\, ormai giunto alla sua sesta edizione.\nARCHIPELAGO nasce dalla collaborazione tra MA/IN e Aaltra come spazio di riflessione sulle pratiche sonore liminali\, col fine di incentivare l’ascolto come fatto critico\, attivo e partecipato. ARCHIPELAGO prova a mettere in relazione una pluralità di linguaggi e poetiche contemporanee difficilmente percepibili come una struttura unificata poggiata su un’ipotesi sonora condivisa ma che\, tuttavia\, riesce a configurarsi come un’insieme organico – un arcipelago appunto – in grado di ridefinire costantemente modelli\, forme\, strumenti e geografie sonore.\n© Stephen Harvey© Stephen Harvey
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SUMMARY:ARCHIPELAGO: MARIO DE VEGA | LETTERA22
DESCRIPTION:© Joeri Thiry – STUK Kunstencentrum \nPROGRAMMA\nore 21:00 LETTERA22 live performance\nore 22:00 MARIO DE VEGA live performance\n–\nMARIO DE VEGA [MX] /// Impromptu for quadrophonic system\nAbbracciando la tensione tra documentazione e performatività\, nelle sue improvvisazioni Mario De Vega sonda i territori della fragilità e dell’indeterminazione utilizzando\, in varie combinazioni\, un vasto campionario di oggetti customizzati\, circuiti elettrici analogici e modificati\, giradischi e interfacce elettroniche. \nNato a Mexico City\, Mario de Vega è un artista multimediale di stanza a Berlino. Abbracciando la tensione tra documentazione e performatività\, nelle sue improvvisazioni Mario sonda i territori della fragilità e dell’indeterminazione utilizzando\, in varie combinazioni\, un vasto campionario di oggetti customizzati\, circuiti elettrici analogici e modi ficati\, giradischi e interfacce elettroniche. Errori e problemi tecnici sono spesso il punto di partenza del suo lavoro\, che si dirama in una molteplicità di direzioni fra interventi site-speci fic\, azioni\, fotogra fia\, video\, scultura e installazioni sonore. È stato artista ospite e docente presso Universität der Künste Berlin\, Rijksakademie Amsterdam\, Internationales Musikinstitut Darmstadt\, Technische Universität Berlin\, Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris\, Kyushu University\, écal\, Universität für angewandte Kunst Wien\, tra gli altri. Il suo lavoro è stato esposto in Messico\, Nord America\, Cile\, Sud Africa\, India\, Corea del Sud\, Cina\, Russia\, Giappone e in tutta Europa. Vive e lavora a Berlino e Città del Messico. Dal 2020 Mario de Vega è Professore alla Kunsthochschule Kassel.\n\nLETTERA 22 [IT]\nLa performance dei Lettera 22 è basata su una rielaborazione in real time di materiale estratto dal loro ultimo disco\, presentato in anteprima durante il festival. C’è una componente improvvisativa importante  nella loro esibizione\, confinata in un percorso strutturale e dinamico: utilizzando un sistema ibrido analogico/digitale basato principalmente su loop per nastro prodotti in tempo reale e altri pre-registrati\, il duo scolpisce i suoni in relazione concreta con le risonanze e le caratteristiche del luogo della performance. \nMatteo Castro e Riccardo Mazza danno vita al progetto Lettera 22 nel 2010\, proponendo una miscela unica di noise\, field recordings e tape-music. Utilizzando un sistema ibrido analogico/digitale basato principalmente su loop per nastro prodotti in tempo reale e altri pre-registrati\, il duo scolpisce i suoni in concreta relazione con le risonanze e le caratteristiche acustiche del luogo della performance. Hanno preso parte a festival come Presence Electronique (INA GRM)\, Norberg Festival\, Broken Flag Festival\, L’Audible Festival\, Hideous Porta.\n\n⊕\nARCHIPELAGO è una nuova sezione di MA/IN festival curata da Aaltra (Sonia Martina\, Mauro Diciocia)\, che inaugura le attività dell’edizione 2022 del festival appulo-lucano dedicato alla musica elettroacustica e alle arti digitali promosso dall’associazione LOXOSconcept\, ormai giunto alla sua sesta edizione.\nARCHIPELAGO nasce dalla collaborazione tra MA/IN e Aaltra come spazio di riflessione sulle pratiche sonore liminali\, col fine di incentivare l’ascolto come fatto critico\, attivo e partecipato. ARCHIPELAGO prova a mettere in relazione una pluralità di linguaggi e poetiche contemporanee difficilmente percepibili come una struttura unificata poggiata su un’ipotesi sonora condivisa ma che\, tuttavia\, riesce a configurarsi come un’insieme organico – un arcipelago appunto – in grado di ridefinire costantemente modelli\, forme\, strumenti e geografie sonore.\n  \nARCHIPELAGO22© Krzysztof Zielinski
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