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SUMMARY:MA/IN22: BLACK LIGHT
DESCRIPTION:©  JesterN\n \nPROGRAMMA\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition] \nore 21:00 CONCERTO PER FISARMONICA + ELETTRONICA mixed media music\nore 22:00 ALBERTO NOVELLO /// BLACK LIGHT live performance\nore 23:00 ROZENHALL – BACKMAN audiovisual \n– \n* MA/IN ACADEMY / PRIMA ASSOLUTA\n\nConcerto per Fisarmonica + Elettronica\nin collaborazione con il Conservatorio di Lecce (classi di Bajan e Musica Elettronica)\ne del Conservatorio di Potenza (classe di composizione) \n\nMichele Quinto [IT] /// Fuori dal mantice\nacusmatico\nLeanna Ciciriello [IT] /// No machine gun\nbayan | Pietro Secundo\nLuciano Signore [IT] /// Eclissi\nbayan | Vittorio Chittano\nFrancesco Rizzo [IT] /// Deus ex machina\nbayan | Alberto Nardelli\n\n\nALBERTO NOVELLO (aka JesterN) [IT] /// Blacklight ⊕ video\nL’artista usa le proprietà della luce ultravioletta per disegnare mondi in continua evoluzione su di una superfcie fotosensibile. In contrasto con i frenetici movimenti del laser\, strutture dai minuziosi dettagli emergono lentamente dalla tela. Ricordano citta\, foreste ed architetture aliene. Una performance contemplativa cha si contrappone al ritmo sfrenato che ci circonda\, in cui il tempo e’ dilatato dal fosforo e la luce catturata dalla tela. Come nella maggiorparte dei Lavori di JesterN\, il suono della performance e’ lo stesso segnale che muove il fascio fotonico del laser: un discorso sinestesico coeso imbandito per i sensi dello spettatore. \nLe sue produzioni in forma di performance\, talk\, paper e composizioni sono state presentate al Centre Pompidou di Parigi\, Museo Reina Sofia Madrid\, Ars Electronica Linz\, Amsterdam Dance Event\, Biennale di Venezia\, New York Computer Music Festival\, Bozar Bruxelles\, BOA Biennale Porto\, Rewire Festival Den Haag\, Glasgow Contemporary Art Center\, Dom Moskow\, Seoul International Music Festival\, Rome University of Fine Arts\, solo per citarne alcuni. Ha pubblicato dischi per Staalplat\, Bowindo\, Elli Records\, Dobialabel\, Setoladimaiale\, Ante-Rasa e Creative Sources. Si è laureato in Fisica Nucleare all’Università di Trieste\, ha completato il master Art Science Technologies con Jean Claude Risset\, ha conseguito un dottorato di ricerca presso la Technische Universiteit Eindhoven con Armin Kohlrausch\, e si è laureato in Musica Elettronica presso l’Institute of Sonology\, Royal Conservatory of Den Haag. Ha lavorato per Texas Instruments\, Philips Research e Auro Technologies creando software per le loro applicazioni audio. Ha assistito Alvin Lucier\, David Behrman\, Nicholas Collins e Trevor Wishart. Ha improvvisato con Evan Parker\, Butch Morris\, Karl Berger. È stato professore invitato alla Sussex University\, MICA Baltimore\, SAIC Chicago\, Tallin University\, Den Haag Conservatory\, Turin Conservatory\, IEM Graz\, Champaign-Urbana University\, CMMAS Mexico\, tra gli altri.\n\nDANIEL ROZENHALL + STEN BACKMAN [SE] /// Den Förföljdes Gryning\nLa musica di Daniel Rozenhall in “Den förföljdes gryning” è stata pubblicata nel 2019 come LP per l’etichetta iDEAL Recordings\, in un’edizione di 99 copie. Il disco è arrivato con la copertina di Sten Backman. Il film presentato in questo programma\, con la musica di Rozenhall e le immagini di Backman\, è stato precedentemente presentato in diversi festival ed eventi in Lettonia\, Svizzera\, Messico\, Cina\, Hong Kong\, Macao\, Taiwan\, Giappone\, Thailandia\, Danimarca e Svezia. Questa è la prima italiana. \nDaniel Rozenhall è un compositore\, artista visivo e produttore discografico\, residente in Svezia. Rozenhall\, che lavora presso lo studio EMS di Stoccolma\, utilizza vari sintetizzatori e sorgenti sonore concrete per creare paesaggi sonori elettroacustici dal carattere surreale\, da incubo e talvolta psichedelico. Rozenhall è stato attivo come produttore discografico per l’etichetta Fylkingen Records negli anni 2002-2016\, ed è attualmente coinvolto nell’etichetta Firework Edition Records. Il suo prossimo LP solista “Dance of the Aberrant” sarà co-pubblicato nel 2023 dall’etichetta Adaadat nel Regno Unito e dalla Firework Edition Records in Svezia.\nSten Backman è un artista visivo\, compositore e grafico\, che vive in Svezia. I suoi campi di lavoro comprendono molte aree\, come branding e identità\, editoria\, applicazioni interattive\, design di prodotti\, siti Web\, design di mostre\, video musicali e copertine di dischi. Ha collaborato con grandi aziende e piccoli clienti indipendenti e nel 2006 ha fondato la sua società\, Great Big Container. Backman ha collaborato con J.G Thirlwell (alias Foetus) e\, tra le altre cose\, ha realizzato le immagini per l’album di Thirlwell “Xordox”\, un lavoro che è stato mostrato a Londra\, Dublino\, Los Angeles e New York.\n\n⊕ MA/IN academy\nè a un articolato percorso dedicato alla formazione e all’educazione sulla musica contemporanea\, multi-livello e multi-target: l’offerta dedicata al pubblico generalista attraverso le lezioni-concerto di Luca Iavarone che ogni anno racconterà un periodo della storia della musica elettronica dal ‘900 a oggi\, i talk con gli artisti e le introduzioni all’ascolto\, i concerti dedicati ai centenari di alcuni grandi compositori ; la proposta dedicata agli studenti dei licei musicali attraverso le masterclass con alcuni artisti per introdurli al processo creativo e la partecipazione attiva in alcune attività del progetto; il coinvolgimento degli studenti dei Conservatori partner del progetto attraverso un percorso formativo che li porterà a confrontarsi con alcuni importanti compositori per la realizzazione di composizioni elettroacustiche da presentare all’interno del MA/IN; il percorso di perfezionamento dedicato ai giovani compositori selezionati dalla call internazionale per la presentazione dei loro lavori in prima assoluta. \n© Sten Backman
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SUMMARY:MA/IN22: THE ACT OF TOUCH
DESCRIPTION:©  Jacopo Salvi\n \nPROGRAMMA\nore 19:00 workshop gratuito su Ableton Live 11 con Andrea Fiorito\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition]\nore 21:30 TOVEL + MAZZONELLI +  WEGHER /// THE ACT OF TOUCH mixed media performance\nore 22:30 PIER ALFEO live performance\n \n– \nMATTEO FRANCESCHINI (aka Tovel) + JACOPO MAZZONELLI  [IT] /// The ACT of TOUCH⊕ video \nmusic and live concept: Tovel (aka Matteo Franceschini)\nartworks and live concept: Jacopo Mazzonelli\nlive electronics: Tovel (aka Matteo Franceschini)\nperformers: Jacopo Mazzonelli\, Eleonora Wegher \nIl pianoforte è senza dubbio lo strumento che più rappresenta la fioritura della cultura musicale occidentale dal tardo Settecento a oggi. In questo senso\, la performance musicale The Act of Touch\, costruita sull’opera ABCDEFG di Jacopo Mazzonelli\, permette un cammino a ritroso\, una sorta di regresso all’essenziale\, un percorso di “purificazione” creativa votata a catturare l’immagine più profonda di ciò che si sta scrivendo: la materia\, i tasti bianchi\, le sette note\, l’alternanza rigo/spazio del pentagramma.\nThe Act of Touch getta lo spettatore all’interno di un paesaggio sonoro inatteso\, dove il suono organizzato si palesa dopo un complesso itinerario di esplorazione dei materiali. Ordinata su più livelli visivi e concettuali\, la performance si configura come una graduale e consapevole scoperta d‘identità – un percorso di conoscenza e sviluppo che l’impiego dei sette pianoforti/scultura modificati permette di compiere. La collaborazione tra Matteo Franceschini e Jacopo Mazzonelli si realizza attraverso una performance dove la scrittura acustica si fonde con la manipolazione elettronica in tempo reale. La nuova fisionomia dei pianoforti e la trasformazione dei suoi materiali si delinea come il punto di partenza per una riflessione sulla natura stessa del rapporto tra suono e materia.\nIn The Act of Touch\, ognuno dei sette dispositivi è amplificato singolarmente e disposto secondo una precisa sequenza dove la nota centrale della scala diatonica (fa) assume un ruolo chiave nello sviluppo del discorso musicale. I pianoforti sono posizionati specularmente per ognuno dei due esecutori\, mentre la tavola armonica della nota FA – al centro della scena – è orientata direttamente verso il pubblico. Le mani dei performers ne esplorano le risonanze attraverso l’impiego di una serie di antichi diapason intonati per semitoni. Mediante un gruppo di sensori che rileva ed analizza le vibrazioni del materiale ligneo trasformandole in nuovi timbri\, gli esecutori attivano un virtuosistico gioco tecnico. Un sistema multicanale di controllo dell’illuminazione trasforma ogni scena in un quadro visivo\, concentrando gradualmente l’attenzione su precisi dettagli espressivi. La scelta radicale di utilizzare unicamente materiali\, forme e suoni derivati dai sette pianoforti amplifica e al tempo stesso chiude il cerchio attorno a un progetto a cui Franceschini e Mazzonelli hanno lavorato negli ultimi tre anni\, dalla scelta dei materiali alla costruzione degli strumenti\, attraverso l’archiviazione e la successiva rielaborazione di ogni suono incontrato durante il processo di trasformazione. \nMatteo Franceschini\, in arte TOVEL\, è un compositore\, polistrumentista e performer italiano di musica elettronica sperimentale con sede a Parigi. Nato in una famiglia di musicisti\, Matteo Franceschini ha iniziato gli studi di composizione con il padre diplomandosi poi al Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano sotto la guida di Alessandro Solbiati. Ha studiato all’Accademia Nazionale “Santa Cecilia” di Roma sotto la guida di Azio Corghi e ha frequentato il Cursus offerto dall’Ircam di Parigi. Ha ricevuto numerosi premi\, sia in concorsi nazionali che internazionali e ha ricevuto commissioni da importanti festival e organizzazioni come Orchestra Filarmonica della Scala\, Ensemble Intercontemporain\, Wigmore Hall\, Biennale di Venezia\, Ircam-Centre Pompidou\, Philharmonie de Paris. Leone d’Argento 2019 alla Biennale di Venezia\, “Fedora – Rolf Liebermann Prize for Opera 2014”\, è stato premiato dalla Banque Populaire Foundation e ha ricevuto la “Italian Affiliated Fellowship in the Arts” dall’American Academy in Rome. È stato nominato compositore in residenza alla Fondazione Haydn\, all’Orchestre national d’Île-de-France e all’Accademia Filarmonica di Roma. In Gravity\, il suo primo album prodotto da Scala Music\, i suoni acustici di pianoforte\, sassofono e archi\, intrecciati con le esplosioni di sintetizzatori modulari. Una musica pulsante\, esplosiva che non smette mai di cambiare. Da gennaio 2011 è edito da Casa Ricordi – Universal Music Publishing.\nJacopo Mazzonelli realizza sculture\, costruzioni e installazioni che indagano l’ampio territorio di confine tra arti visive e musica. La sua ricerca è caratterizzata da tecniche e metodologie mutuate da diverse discipline. Lavorando sull’interpretazione e visualizzazione della dimensione sonora\, l’artista si confronta con strumenti che decostruisce\, trasforma e rimonta. I punti focali del suo interesse sono il “gesto musicale”\, le indagini sulla percezione del ritmo e sul divenire del tempo. Ha tenuto mostre personali in Italia e all’estero. Tra le sue principali mostre ricordiamo “Sografia”\, Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna (2018); “Da suonare al massimo volume”\, Mart – Galleria Civica di Trento (2017); “6° Premio Fondazione VAF. Posizioni attuali dell’arte italiana”\, Schauwerk\, Sindelfingen (Stoccarda) e Stadtgalerie\, Kiel (2014); “La Correzione” con Silvia Giambrone\, Galleria Paolo Maria Deanesi\, Trento; “Differenza e Ripetizione”\, Galleria Giovanni Bonelli\, Milano; “6. JCE Biennale d’Art Contemporain”\, Le Beffroi\, Montrouge\, Museu de l’Empordà\, Figueres\, The Art Building\, Vrå\, Museo Amadeo De Souza-Cardoso\, Amarante; “Isorhythm” con Giulio Paolini\, a cura di Bettina Della Casa\, Galleria Studio G7\, Bologna. Dal 2017\, in collaborazione con il compositore Matteo Franceschini\, ha realizzato un’ampia serie di progetti performativi di cui è stato anche interprete diretto\, insieme alla pianista Eleonora Wegher.\nNata a Verona\, Eleonora ha iniziato lo studio del pianoforte con Laura Palmieri e si è diplomata con lode al Conservatorio Bonporti di Trento sotto la guida del Prof. M. R. Corbolini. Successivamente si è perfezionata presso l’Accademia Pianistica Internazionale di Imola “Incontri col Maestro” con il M° Leonid Margarius e Anna Kravtchenko e successivamente presso la Hochschule fur Musik und Theatre “F. Mendelssohn” di Lipsia con il M°A. Meinel e H.M. Schreiber. Vincitore di numerosi concorsi fin da giovanissimo\, tra cui la XXIII Edizione Concorso Pianistico Muzio Clementi di Firenze\, XI Concorso Pianistico Internazionale di Roma – Premio Seiler\, XIV Concorso Internazionale Franz Schubert di Ovada\, Concorso Pianistico Internazionale Vila de Capdepera di Palma di Maiorca \, Concorso Pianistico Internazionale Delia Steinberg di Madrid\, Eleonora si è esibita con l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento\, l’Orchestra Classica di Alessandria e l’Orchestra da Camera del Teatro La Fenice di Venezia.\n\n\n\n\n\n\n\n\nPIER ALFEO [IT] /// Everything plus one  \nprima assoulta /  live performance\nPier Alfeo (classe 1985) è artista sonoro e compositore elettronico. La sua pratica spazia da brani di musica elettronica\, performance audiovisive immersive\, sculture sonore e opere visive. Dopo aver vissuto in molte città italiane\, si è trasferito a Berlino dove ha acquisito un ampio riconoscimento come interprete musicale collaborando per varie etichette discografiche\, organizzando eventi ed esibendosi in festival internazionali dove ha condiviso il palco con artisti come Robert Henke\, Fennesz\, Rashad Becker e tanti altri.\nNel 2019 presenta la sua prima mostra personale Incisione su Silenzio presso la Galleria Doppelgaenger di Bari con un testo critico di Valentino Catricalà. Alla fine del 2019 ha ottenuto il massimo riconoscimento al “Premio Nazionale delle Arti” con la stessa opera Incisione su Silenzio\, nella sezione “Arti Elettroniche”; per l’occasione Alfeo è stato valutato da una giuria internazionale composta da Carolyn Christov-Bakargiev\, Beatrice Merz\, Sergio Toffetti\, Irene Dionisio e Piero Gilardi. L’opera è stata esposta presso l’Accademia Albertina di Torino in contemporanea al FISAD 2019. Nel 2020 ha preso parte al Blooming Festival curato da Federica Patti e Quiet Ensemble a Pergola e alla mostra Rilevamenti 2 a cura di Valentino Catricalà presso il CAMUSAC | Museo Arte Contemporanea di Cassino.\n\n\n\n\n\n\n\n© Jacopo Salvi© Jacopo Salvi© Pier Alfeo\n 
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SUMMARY:MA/IN22: LATENTSCAPE
DESCRIPTION:©  Franz Rosati\n \nPROGRAMMA\nore 20:00 opening [Sound Art Exhibition]\nore 21:00 ACOUSMATIC SESSION concerto\nore 21:30 FLAVIA MAZZANTI /// NEXUM audiovisual\nore 22:00 FRANZ ROSATI /// LATENTSCAPE live AV performance\nore 23:00 SIMON WHETHAM /// SUCCESSIVE ACTIONS live performance \n– \n///ACOUSMATIC SESSION\nconcerto musica acusmatica\n \n\nPauline Patie [FR] /// Bulle d’air\nRodney DuPlessis [CA] /// Psi\nAlex Buck [BR] /// Does it Matter?\n\n\n\n\nFRANZ ROSATI [IT] /// Latentscape ⊕ preview \nLatentscape è un nuovo progetto di media art concepito per essere esposto come un Concerto Audiovisivo\, una serie di opere d’arte digitali\, un’installazione site-specific\, un film di video arte. Latentscape è un’esplorazione di paesaggi virtuali immaginari generati con l’aiuto di GAN addestrati con set di dati DEM personalizzati\, immersi nella musica prodotta dall’architettura SampleRNN addestrata con suoni di diverse tradizioni musicali lontane nello spazio e nel tempo. I paesaggi e la musica con la loro diversità topologica e timbrica raffigurano l’incontro di dati umani intesi come incontro e fusione di pensieri\, sentimenti ed esperienze. Un paesaggio è una cornice perfetta per rappresentare le relazioni poiché è il luogo in cui viviamo e lasciamo le nostre tracce. \nFranz Rosati è musicista\, artista digitale e conferenziere. Usa le tecnologie digitali e il software personalizzato come base per la sua produzione artistica\, progettata per incarnare diverse emanazioni da concerti audiovisivi\, installazioni basate su schermo\, software art e opere d’arte stampate. Da diversi anni Franz Rosati esplora un ampio spettro di output estetici che vanno dal minimalismo procedurale e generativo wireframe e rendering 3D in tempo reale\, dalla creazione di creature virtuali autonome come Machine and Structure o Pathline\, all’esplorazione di paesaggi immanenti distopici.\n\n\n FLAVIA MAZZANTI [IT/BR] /// N E X U M ⊕ preview \nN E X U M si interroga su come noi\, come individui\, facciamo affidamento psicologicamente sui nostri spazi abitativi e su come noi\, come società\, influenziamo e siamo influenzati da ciò che ci circonda. La trama segue gli spostamenti quotidiani della protagonista attraverso diversi spazi urbani\, pubblici e privati\, e il suo modo di interazione e scambio con essi. Un secondo livello parallelo mostra in modo fittizio l’impatto dei diversi regni nella sensazione affettiva dei protagonisti\, riflettendo su come l’interazione all’interno di ambienti diversi generi diversi comportamenti psicologici. \nFlavia Mazzanti è un’artista\, architetto e imprenditrice italo-brasiliana con sede a Vienna nel campo della realtà virtuale e dei media digitali. È co-fondatrice di Immerea OG – una società di media interattive focalizzata sullo sviluppo di giochi VR e installazioni virtuali –\, docente esterno all’Università di Innsbruck e attiva come docente in conferenze e simposi nazionali e internazionali. Flavia si è laureata con lode all’Accademia di Belle Arti di Vienna\, ricevendo il Premio Gustav Peichl per il disegno architettonico e il Würdigungspreis per il lavoro artistico. Attraverso l’uso dei media immersivi e del cinema sperimentale\, il suo lavoro si confronta spesso con teorie artistico-filosofiche sul post-antropocentrismo e sul nuovo materialismo\, con l’interesse a fornire prospettive alternative su noi stessi e il nostro ambiente. Il suo lavoro è stato proiettato e premiato in numerosi festival nazionali e internazionali\, tra cui Ars Electronica Festival\, DA Z – Digital Arts Festival Zurich\, ADAF.\n\nSIMON WHETHAM [UK] /// Successive Actions \nSuccessive Actions è un nuovo progetto di performance sonora in cui una collezione di dispositivi motori obsoleti\, recuperati da prodotti di uso quotidiano\, viene attivata da registrazioni sonore dell’ambiente. A sua volta\, questo processo fa sì che i dispositivi emettano i propri suoni\, che vengono amplificati utilizzando vari microfoni e tecniche. Le registrazioni presentano fenomeni che si verificano in modo imprevedibile e irregolare nella vita di tutti i giorni – traffico di passaggio\, vento\, chiusura di porte – e per questo il movimento dei dispositivi è casuale\, variabile e autonomo. Il progetto cambia e si adatta al suo ambiente. I dispositivi vengono aggiunti alla raccolta o rimossi e i suoni della posizione cambiano ogni volta l’attivazione e il movimento dei dispositivi. Le prestazioni e il metodo di presentazione si evolvono e si perfezionano ad ogni iterazione. Le telecamere sono parte della configurazione che offre al pubblico due viste intime dei dispositivi che si esibiscono. \nDal 2005 Simon Whetham ha sviluppato una pratica di lavorare con il suono come materia prima per la creazione. Usa il suono ambientale\, impiegando una varietà di metodi e tecniche al fine di ottenere fenomeni sonori spesso inosservati e oscurati. Le sue ricerche e collaborazioni lo hanno portato a lavorare sempre più in progetti multidisciplinari\, portando il suo lavoro a diventare più visivo e tangibile. Attualmente sta esplorando modi per trattenere le tracce fisiche del suono e trasformare le forme di energia. Progetti a lungo termine in Asia e America Latina hanno fortemente influenzato i suoi metodi di lavoro e la sua ideologia. Whetham si esibisce a livello internazionale\, partecipando a Izis 2022 (SI)\, MFRU 2022 (SI)\, phonon~festival 2022 (CZ)\, NEXT 2021 (SK)\, In Vitrø 2019 (IT)\, Fresh Winds Biennale 2018 & 2016 (IS) \, Nakanojo Biennale 2017 (JP)\, ACC Showcase 2018 (KR)\, Tsonami Festival 2017 e 2012 (CL)\, Madeiradig 2010 e 2011 (PT) e Moers Festival 2011 (DE)\, e ha composto opere pubblicate da etichette tra cui Kohlhaas (IT )\, Mappa (SK)\, Crónica (PT)\, Grünrekorder (DE) e Line (USA).\n© Manuel Bonell© Jeff Rollings
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SUMMARY:MA/IN22: MAD MAX
DESCRIPTION:©  Pierre Jodlowsky\n \nPROGRAMMA\nore 21:00 A/V session\nore 21:30 PIERRE JODLOWSKY [FR] /// MAD MAX live intermedia performance\n \n– \n\n\nPIERRE JODLOWSKY [FR] /// MAD MAX\nlive intermedia performance\ncomposition + live electronics | Pierre Jodlowsky\npercussioni | Aleksander Wnuk [PL]\n \nCommissionato dal Festival Aujourd’hui Musiques\, Mad Max è stato sviluppato nell’ambito del Gekipe Project di Flashback Ensemble (un dispositivo specifico composto da sensori e telecamere a infrarossi che analizzano i gesti) per il percussionista Philippe Spiesser. Lo spettacolo è basato sul personaggio famoso\, motociclista pazzo e completamente fuori controllo uscito dagli Hollywood Studios. Nella prima parte\, va in scena sulla sua bici onnipotente (che qui è virtuale\, per mezzo di sensori) e fa precipitare il pubblico nella sua megalomania. La seconda parte rivela un Mad Max seducente (che tenta la fortuna con una grancassa). Infine\, l’ultima parte è caratterizzata da un improbabile dialogo tra un musicista virtuoso e un’altra leggenda del cinema: Darth Vader. Il respiro ininterrotto di questo personaggio fa da sfondo a un assolo di vibrafono velocissimo\, gara finale di questa favola musicale… \nPierre JODLOWSKI è un compositore\, interprete e artista multimediale. La sua musica\, spesso caratterizzata da un’alta densità\, è al crocevia del suono acustico ed elettrico ed è caratterizzata da un’ancora drammatica e politica. Il suo lavoro di compositore lo ha portato ad esibirsi in Francia e all’estero nella maggior parte dei luoghi dedicati alla musica contemporanea e in altri campi artistici\, danza\, teatro\, arti visive\, musica elettronica. Il suo lavoro si svolge oggi in molti settori: film\, installazioni interattive\, messa in scena. Sta definendo la sua musica come un “processo attivo” a livello fisico [gesti musicali\, energia e spazio] e a livello psicologico [relazione con la memoria e dimensione visiva del suono]. Parallelamente alle sue composizioni\, si esibisce anche in varie scene (sperimentali\, jazz\, elettroniche)\, solista o con altri artisti.\nDal 1998 è co-direttore artistico di éOle (studi di ricerca e produzione con sede a Odyssud – Centro culturale a Blagnac) e del festival Novelum di Tolosa (dal 1998 al 2014). Ha collaborato con vari ensemble quali: Intercontemporain (Parigi)\, Ictus (Belgio)\, KNM (Berlino)\, Ensemble Orchestral Contemporain (Francia)\, MusikFabrik (Germania)\, il nuovo Ensemble Moderne (Montreal)\, Ars Nova (Svezia). )\, Proxima Centauri (Francia)\, Court-circuit (Francia)\, Ensemble Les Éléments (Francia)\, Berg Orchestra (Praga)\, Soundinitiative (Europa)\, LUX:NM (Germania) e vari solisti della scena musicale contemporanea internazionale. Inoltre conduce collaborazioni con musicisti come il preferito Jean Geoffroy – percussioni\, Cedric Jullion – flauto\, Wilhelm Latchoumia – pianoforte\, Philippe Spiesser – percussioni\, per lavori e ricerche su nuovi strumenti. Il suo lavoro lo ha portato a sviluppare collaborazioni con artisti visivi\, in particolare David Coste per progetti specifici con il video. Lavora anche come scenografo su diversi progetti all’incrocio tra teatro\, installazione\, concerto o oratorio.\nHa ricevuto commissioni da IRCAM\, Ensemble Intercontemporain\, Ministero della Cultura francese\, Akademie der Künste (Berlino)\, CIRM\, GRM\, Festival di Donaueschingen\, Radio France\, Concorso pianistico di Orleans\, GMEM\, GRAME\, Siemens Foundation\, Opera di Tolosa\, il progetto europeo INTEGRA\, lo studio EMS – Stoccolma\, la Fondazione Royaumont\, Cabaret contemporain\, Festival musicale della Biennale di Venezia\, Ministero della Cultura polacco. Vincitore di numerosi concorsi internazionali\, ha vinto il Prix Claude Arrieu SACEM nel 2002\, il Prix Hervé Dugardin SACEM nel 2012\, ed è stato in residenza presso l’Accademia delle Arti di Berlino nel 2003 e nel 2004. Nel 2013 ha vinto un Premio assegnato da ” Academie Charles Cros” per uno dei suoi CD. Nel 2015 è il vincitore del The Great Lyceum Prize in Francia per il suo pezzo “Time & Money”. Dal 2017 al 2019 è artista residente al Lux – Teatro Nazionale di Valence (Francia). Dal 2019 è Direttore Artistico del Festival Musica Electronica Nova\, prodotto dalla Filarmonica di Wroclaw\, Polonia. Le sue opere sono eseguite in luoghi chiave dedicati alle arti sonore contemporanee in Francia\, Europa\, Canada\, Cina\, Corea\, Giappone e Taiwan e Stati Uniti.I suoi lavori sono in parte pubblicati da Editions Jobert e sono oggetto di numerose registrazioni di CD e video per le etichette éOle Records\, Radio France\, Kaïros\, Percussions de Strasbourg. Vive in Francia e Polonia.\nAleksander Wnuk è un percussionista\, performer\, improvvisatore e sound artist. Si è specializzato nell’esecuzione di Musica Contemporanea e Sperimentale\, come solista e camerista. La sua attività comprende la libera improvvisazione\, la performance art strumentale\, la composizione e l’esecuzione di musiche per spettacoli di danza e teatro drammatico. Suoi scritti sono stati pubblicati su numerose riviste di musica contemporanea. Ha collaborato con Pierre Jodlowski\, Sara Nemtsov\, Trond Reinholdtsen e Matthew Shlomowitz a.o. Tra le realizzazioni più significative c’è la prima mondiale del concerto di Sarah Nemtsov En Face\, numerosi recital solistici ed esibizioni da camera nei più importanti festival. È membro dell’ensemble contemporaneo Spółdzielnia Muzyczna (Premio Ernst von Siemens Ensemble 2021-22)\, della Krakow Improvisers Orchestra e di numerosi duetti. Ha collaborato con Hashtag Ensemble\, New Music Orchestra\, The National Stary Theatre e The Juliusz Słowacki Theatre di Cracovia. È stato membro del Percurama Percussion Ensemble. Ha studiato in Danimarca\, Polonia\, Austria e Germania. Ha discusso la sua tesi di dottorato presso l’Accademia di Musica di Cracovia\, dove attualmente insegna.\n\n\n/// A/V SESSION\nproiezioni di opere audiovisive\n \n\nJoão Pedro Oliveira [PT] /// Coalescence\nSiye Tao + Qing-Wen Yan + T.BB [CN] /// Shattered Ripples\nHeiðrikur T. á Heygum [FO] /// MÓÐIR\nRiccardo Tesorini + Edoardo Genzolini [IT] /// Rather then Fall\n\n© Pierre Jodlowsky© Klaudyna Schubert© Joao Pedro Oliveira
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SUMMARY:MA/IN22: THE SMELL OF BLUE ELECTRICITY
DESCRIPTION:© Simone Petracchi \nPROGRAMMA\nore 21:00 Vittorio Montalti + Blow Up Percussion + Tempo Reale [IT] /// THE SMELL OF BLUE ELECTRICITY live mixed media performance \n– \nVittorio Montalti + Blow Up Percussion + Tempo Reale [IT] /// THE SMELL OF BLUE ELECTRICITY ⊕ video\n \nperformance per percussioni ed elettronica\ncomposition + live electronics: Vittorio Montalti\npercussioni: Blow Up Percussion (Flavio Tanzi\, Aurelio Scudetti\, Luca Giacobbe\, Pietro Pompei)\nregia del suono: Tempo Reale/Damiano Meacci\nNegli ultimi anni la mia ricerca compositiva ha integrato sempre più il mezzo elettronico nella scrittura strumentale. Le ragioni di questa scelta (o sarebbe meglio dire atteggiamento) sono principalmente due: l’interesse per l’estensione delle possibilità timbriche degli strumenti acustici e l’influenza del suono elettronico nella nostra cultura. L’uso dell’elettronica nella mia musica da camera e sinfonica\, così come nei miei progetti operistici\, mi ha permesso di interagire sempre di più con gli strumentisti e gradualmente mi ha portato a “suonare” l’elettronica. Questa è una cosa che mi affascina particolarmente. Il progetto con Blow Up Percussion parte da questa idea sul ruolo della musica elettronica e del suo interprete. Insieme abbiamo deciso di proporre una composizione che vede in scena non solo l’ensemble strumentale ma anche il compositore per l’esecuzione della parte elettronica. In tal modo lo spettacolo rompe le abitudini della consueta esibizione nell’ottica di creare un contatto più stretto con il pubblico. La struttura dell’opera è suddivisa in diverse scene basate sulla frammentazione\, riflessioni sulla tecnologia e connessione con l’inconscio. Fondamentale è sottolineare come il progetto nasca da un contatto diretto con i percussionisti dei Blow Up e da una visione condivisa di una certa idea di performance. L’opera è stata composta in stretto rapporto con gli interpreti\, concentrandosi sulla creazione di un universo sonoro che attinge ai colori del mondo delle percussioni. Inoltre la straordinaria esperienza di Tempo Reale garantirà una proiezione sonora di altissima qualità e migliorerà l’integrazione della scrittura strumentale con quella elettronica. \nVittorio Montalti (Roma\, 1984) ha conseguito il Master in Composizione con Alessandro Solbiati presso il Conservatorio G. Verdi di Milano e in Pianoforte sotto la guida di Aldo Tramma presso il Conservatorio S. Cecilia di Roma. Successivamente ha studiato composizione con Ivan Fedele all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e musica elettronica all’IRCAM-Centre Pompidou di Parigi. Nel 2010 in occasione della Biennale di Venezia – 54° Festival Internazionale di Musica Contemporanea è stato insignito del “Leone d’Argento”. Nel 2016 è stato insignito del Premio “Una Vita nella Musica” dal Gran Teatro La Fenice di Venezia. Sue opere sono state eseguite in vari festival tra cui New York Philharmonic\, Carnegie Hall\, Gran Teatro La Fenice\, Teatro dell’Opera di Roma\, IRCAM-Centre Pompidou\, La Biennale di Venezia\, Maggio Musicale Fiorentino\, Roma Europa Festival\, I Teatri di Reggio Emilia/Festival Aperto\, Teatro Regio di Parma/Festival Verdi\, Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto\, Accademia Filarmonica Romana\, Orchestra Regionale della Toscana\, Milano Musica\, Accademia Filarmonica Romana\, Ex Novo Musica\, Bergamo Musica Festival\, Divertimento Ensemble – Rondò\, Festival Pontino\, Festival Traiettorie\, Sinfonieorchester Orchesterzentrum|NRW\, Istituto Italiano di Cultura di Sidney\, Melbourne\, Londra\, Parigi\, Strasburgo e molti altri. È stato compositore in residenza presso l’Istituto Italiano di Cultura di Parigi (2013)\, presso l’American Academy in Rome – Marcello Lotti Italian Fellowship (2014)\, Civitella Ranieri (2017)\, FortissimissimoFirenzeFestival – Amici della musica di Firenze (2017)\, Divertimento Ensemble ( 2018)\, La Società dei Concerti di Milano (2018-2019). Particolarmente interessato al teatro musicale\, ha scritto quattro opere su libretti di Giuliano Compagno che sono state rappresentate in diverse produzioni. Ha lavorato con registi come Francesco Saponaro\, Alessio Pizzech\, Claudia Sorace/Muta Imago e Giancarlo Cauteruccio. Insegna composizione al Conservatorio “Carlo Gesualdo da Venosa” di Potenza. Le opere scritte fino al 2017 sono pubblicate da Edizioni Suvini Zerboni – SugarMusic S.p. UN. Dal 2018 la sua musica è pubblicata da Casa Ricordi – Universal Music Publishing.\nBlow Up Percussion è un gruppo di percussioni costituitosi nel 2012 che ha base a Roma e che interpreta un repertorio moderno e contemporaneo\nSi pone di essere una voce della musica di questo periodo: dall’interpretazione delle opere dei compositori di questa generazione spesso con un contatto e uno scambio diretto\, al teatro musicale\, il minimalismo\, l’elettronica e le nuove sonorità. L’idea è quella di ridefinire il concetto moderno di ensemble e renderlo permeabile alle influen- ze sonore del proprio tempo\, interpretando il ruolo artistico/ culturale della musica con- temporanea come punto di incontro tra la musica “colta” e un’identità più Pop(ular) Collaborando con compositori\, ensemble\, musicisti di diversa provenienza\, Blow Up tenta di rendere permeabile l’ensemble alle influenze sonore del proprio tempo\, viven- do in empatia con qualsiasi sensibilità artistica. Il repertorio che propone è frutto delle diverse collaborazioni dirette con compositori di rilievo Francesco Filidei\, Vittorio Mon- talti\, Laurent Durupt\, Elliot Cooper Cole\, Michele Tadini\, Eric Nathan\, Pierre Jodlowsky – di classici del Novecento come le opere di Steve Reich e del post minimalismo di Da- vid Lang\, Julia Wolfe\, John Luther Adams. Le collaborazioni di Blow Up Percussion vanno dalla PMCE e l’ Ensemble Prometeo come sezione percussioni di ensemble cameristici\, alla musica elettronica del duo lon- dinese “Plaid”\, al violoncellista Mario Brunello. Nel 2017 esce il primo disco con pezzi inediti di Ravera\, Filidei\, Taglietti\, Sanna e Mar- chettini e nel 2020 un lavoro monografico su Elliot Cole giovane compositore statuni- tense\, entrambi per la EMA Vinci Record. Inoltre per il 2021 il quartetto lavorerà con Vittorio Montalti alla realizzazione\, col sostegno di SIAE-Classici di Oggi\, di un’opera inedita per percussioni ed elettronica. Nel 2019 Blow Up ha realizzato la prima rassegna dei “Cerimoniali Ritmici” a Palazzo Caetani a Roma\, tre concerti dove l’ensemble ha si è messo in gioco anche sotto l’aspetto della direzione artistica proponendo diverse novità commissionate ad hoc a Antonioni\, Borzelli\, Quindici\, Caneva e Lorusso. Il gruppo si è esibito al Ravenna Festival\, Festival L’Arsenale a Treviso\, Cantiere Inter- nazionale di Montepulciano\, Festival di “Nuova Consonanza”\, Festival “Traiettorie” di Parma\, nella stagione “Contemporanea” e “In my life” all’Auditorium Parco della Musi- ca di Roma\, Festival “MI_TO Settembre Musica”\, Festival “Le Forme del Suono” a La- tina\, Composit Festival a Rieti\, “Tuscania Artescena”\, Half – Die Festival\, Fondazione W.Walton a Ischia\, “Non Luoghi Musicali” a Caserta\, “NO GO Festival” a Roma\, Sta- gione dei Concerti dell’Università di Tor Vergata Roma.\n\n\n\n\nFondato da Luciano Berio nel 1987 Tempo Reale è oggi uno dei principali punti di riferimento per la ricerca\, la produzione e la formazione nel campo del suono e delle nuove tecnologie musicali. Dopo la sua costituzione il Centro è stato impegnato nella realizzazione delle opere di Berio\, che lo hanno portato a lavorare nei più prestigiosi contesti concertistici di tutto il mondo. Lo sviluppo di criteri di qualità e creatività derivati da queste esperienze si è riverberato nel lavoro condotto continuativamente tanto con compositori e artisti affermati quanto con giovani musicisti emergenti. I temi principali della ricerca riflettono un’idea di poliedricità che da sempre caratterizza le scelte e le iniziative di Tempo Reale: l’ideazione di eventi musicali di grande spessore\, lo studio sul paesaggio sonoro e sull’elaborazione del suono dal vivo\, le esperienze di interazione tra suono e spazio\, la sinergia tra creatività\, competenza scientifica\, rigore esecutivo e didattico. Nel 2008 è stato fondato il Tempo Reale Festival\, una regolare iniziativa di concerti\, performance e spettacoli dedicati alla musica di ricerca. Dal 2013 Tempo Reale è Ente di Rilevanza per lo Spettacolo dal Vivo della Regione Toscana.\n\n\n\n\n© Luca Condorelli© M. Carovani
URL:https://www.mainfest.it/calendar/thesmellofblueelectricity/
LOCATION:Cineteatro Don Bosco\, Piazza don Bosco\, POTENZA\, 85100\, Italia
CATEGORIES:Live Performance,Mixed Media
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SUMMARY:MA/IN:OERKNAL [β]
DESCRIPTION:PROGRAMMA \nore 20:00 OPENING\nVincenzo Procino [IT] /// Nebula Xenakis\ninstallazione sonora basata su Persepolis (1971) di Iannis Xenakis \n\nore 20.30 CONCERTO \n\nAndrea Nicoli [IT] /// Macchina per frantumare gli specchi\nensemble + elettronica\nRaphaël Languillat [FR] /// Crucifixion (perugino)\nensemble + elettronica\nSarah Nemtsov [DE] // Amplified Imagination\nflauto traverso: Susanne Peters\nelectronics: Sebastian Berweck\n\nore 21:15 \nLeanna Ciciriello [IT] /// Cortocircuito emozionale\nlive A/V performance \n\n\n\nOerknal è un collettivo di musicisti provnienti da tutto il mondo ma con sede nei Paesi Bassi. Uniti dalla passione per le nuove sperimentazioni\, Oerknal si è esibito in vari contesti e festival nei Paesi Bassi\, tra cui Bimhuis (Amsterdam)\, Gaudeamus Music Week (Utrecht)\, Soundsofmusic (Groningen) e Korzo Theatre (Den Haag)\, oltre a residenze internazionali in festival come la Delian Academy for New Musica (Grecia) e DAM Festival (Kosovo). Dalla loro fondazione nel 2013 Oerknal ha commissionato opere a numerosi compositori e si è impegnato in collaborazioni interdisciplinari volte ad esplorare sovrapposizioni artistiche uniche e diversi modelli di presentazione dei concerti. Il loro album di debutto è stato pubblicato  nel 2018\, in numero limitato\,  dall’etichetta 7 Mountain Records.\ndirettore: Gregory Charette\nvioloncello: René van Munster\nclarinetti: Daniel Boeke\nflauti: Susanne Peters\nviolino/viola: Jellantsje de Vries\npercussioni: Christian Smith\npiano: Ivan Pavlov
URL:https://www.mainfest.it/calendar/oerknal2/
LOCATION:Casa Cava\, Via S. Pietro Barisano\, 47\, Matera\, MT\, 75100\, Italia
CATEGORIES:Live Performance,Mixed Media,Sound Art
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